par Matt Heller
Zack Reaves, arrangeur et violoncelliste basé à Los Angeles, s’est récemment découvert une nouvelle corde à son arc : celle d’organisateur. Les musiciens se produisant lors des concerts Candlelight étaient confrontés à des changements alarmants en matière de rémunération et de conditions de travail. Ils n’avaient ni représentation collective, ni voix pour se faire entendre, jusqu’à ce que Zack prenne les choses en main. J’ai interviewé Zack par courriel; il m’a envoyé ses réponses le 31 mars. La situation aura peut-être évolué au moment où vous lirez ces lignes.
Matt Heller : Malgré l’ambiance sympa et le marketing qui entourent Candlelight, il semblerait que les musiciens en soient la véritable force motrice. Pouvez-vous nous parler un peu de votre travail et du fonctionnement de Candlelight?
Zack Reaves : Je travaille avec Candlelight depuis 2021, d’abord en tant qu’arrangeur chargé de créer des versions de haute qualité de morceaux pour quatuor à cordes dans presque tous les genres imaginables. J’ai ensuite commencé à donner des concerts en Californie du Sud en 2022. À ce jour, j’ai écrit environ 80 arrangements pour quatuor à cordes pour la série, qui ont été interprétés par des musiciens du monde entier, et j’ai moi-même participé à plus de 200 concerts Candlelight. Si vous avez déjà joué lors d’un concert Candlelight, il y a de fortes chances que vous ayez interprété certains de mes arrangements ! Le fait que des musiciens incroyables du monde entier interprètent mon travail et le fassent d’une manière qui touche de nouveaux publics a été l’un des développements les plus passionnants de ma carrière.
Le fonctionnement de Candlelight varie un peu d’une ville à l’autre, ainsi qu’entre les différents pays. Aux États-Unis, les artistes travaillent principalement par l’intermédiaire d’agences de sous-traitance qui facilitent la communication entre les dirigeants de Fever (la société qui produit Candlelight) et les musiciens de chaque ville. Je suis engagé à la fois pour les concerts et pour les arrangements par l’intermédiaire de ces sous-traitants, qui gèrent une grande partie du travail d’organisation. Ce sont les musiciens eux-mêmes qui déterminent la qualité artistique des concerts : nous organisons nos propres répétitions et prenons nos propres décisions musicales, tout comme un ensemble de musique de chambre traditionnel, mais tout le répertoire est déterminé par Fever et les sous-traitants.
Fever a récemment annoncé des changements importants concernant la rémunération des répétitions et d’autres conditions de travail. Qu’ont signifié ces changements pour les interprètes de Candlelight?
Au cours de l’année écoulée, plusieurs changements ont été apportés au fonctionnement de la série de concerts Candlelight. Les changements initiaux étaient mineurs, mais ils ont fini par prendre de l’ampleur. Le principal problème, et ce qui a véritablement motivé les efforts de syndicalisation parmi les musiciens, a été un changement dans la structure de rémunération introduit en janvier de cette année.
Auparavant, nous avions un barème et une structure de rémunération en place depuis plusieurs années, qui tenaient compte de différents scénarios de représentation et de répétition en fonction de la familiarité du personnel avec un programme donné. Le lancement d’un nouveau programme s’accompagnait de deux répétitions rémunérées, et les cas de remplacement de musiciens comprenaient une répétition à un tarif réduit, mais lorsque tous les musiciens connaissaient bien le programme, aucune répétition n’était nécessaire. Les honoraires de représentation variaient également selon que les musiciens devaient jouer le même programme deux fois au cours d’une soirée (tarif réduit) ou deux programmes différents (tarif majoré).
La motivation de Fever pour changer cela était compréhensible, car les besoins en répétitions variaient d’un concert à l’autre, les montants des rémunérations étaient incohérents et les scénarios de remplacement entraînaient souvent des frais imprévus. L’organisation souhaitait simplifier sa comptabilité en introduisant un tarif forfaitaire pour toutes les prestations, ce qui signifiait que les répétitions et les prestations seraient désormais regroupées. Le problème, cependant, c'est que le tarif forfaitaire proposé entraînait une baisse significative des rémunérations pour les musiciens aux États-Unis et au Canada.
Outre la structure salariale, plusieurs autres préoccupations s’étaient progressivement accumulées. Tout d’abord, de nombreux musiciens avaient remarqué une baisse de la qualité des arrangements proposés. Dans un souci de réduction des coûts, les arrangements étaient de plus en plus souvent confiés à des arrangeurs prêts à travailler à moindre coût, mais dont les productions présentaient non seulement des lacunes stylistiques, mais aussi des erreurs techniques et de notation. Cela a entraîné une charge de travail supplémentaire considérable pour les musiciens sur le terrain, qui devaient réviser eux-mêmes les arrangements afin de maintenir la qualité de leurs prestations.
Un autre problème concernait la durée des programmes. Les concerts sont censés durer une heure, y compris le temps où les musiciens s’expriment depuis la scène pour se présenter et présenter la musique, mais les nouveaux programmes dépassaient régulièrement cette limite de temps de manière assez significative.
Il y avait également la question des enregistrements d’archives des concerts. Fever avait commencé à enregistrer les représentations à des fins d’examen interne — par exemple pour enquêter sur une mauvaise critique du public ou une circonstance inhabituelle — et la plupart des musiciens n’y voyaient généralement pas d’inconvénient. Cependant, nous demandions un contrat mis à jour qui définisse clairement à quelles fins ces enregistrements pouvaient ou ne pouvaient pas être utilisés. Nos préoccupations portaient notamment sur l’utilisation à des fins de marketing, la commercialisation, et surtout, la possibilité que les enregistrements soient utilisés pour la formation et le développement de l’IA. Notre demande initiale de révision du contrat est restée sans réponse de la part de Fever. Depuis que nous avons rendu cette information publique, les musiciens ont l’attention de Fever. La structure de rémunération a été rétablie aux tarifs précédents, mais bon nombre des autres problèmes restent en suspens.
Organiser un groupe diversifié de musiciens à travers tout le continent n’est pas une mince affaire. Comment avez-vous réussi à le faire?
Les premiers efforts d’organisation ont été un véritable tourbillon de réunions, de courriels et d’appels téléphoniques pendant plusieurs semaines. Tout a commencé lorsque j’ai publié un message sur Instagram soulignant les changements apportés par Fever et annonçant que je suspendrais tout nouvel arrangement pour la série jusqu’à ce que ces préoccupations soient prises en compte. Ce message est très vite devenu viral, étant vu plus de 200 000 fois et récoltant plus de 6 500 « likes » en seulement quelques jours!
Ensuite, des musiciens ont commencé à me contacter sur Instagram pour me demander comment ils pouvaient s’impliquer. Des sous-traitants m’ont également contacté, et j’ai même reçu un appel téléphonique directement de Fever. Je ne vais pas prétendre que je n’étais pas nerveux lorsque j’ai publié ce premier message. J’avais vraiment peur de perdre du travail et de subir d’autres formes de représailles. Mais j’en étais arrivé à un point où je ne voulais plus que ma musique serve à développer un programme qui, à mes yeux, profitait des musiciens mêmes qui en sont l’âme. Les bougies et le marketing sont peut-être un excellent moyen d’attirer les gens, mais ce sont les musiciens qui font que le public reste et revient.
Au cours de ces quelques semaines, grâce à toutes ces réunions et à tous ces courriels, j’ai pu entrer en contact avec des musiciens dans pratiquement tous les grands marchés des États-Unis et du Canada. Nous avons désormais une cinquantaine de représentants qui aident à faire passer les préoccupations des musiciens dans leurs communautés, et qui leur transmettent également des informations. Il est important que chacun ait le sentiment d’avoir son mot à dire dans cette affaire.
Quelle a été la réaction à votre travail jusqu’à présent?
La réaction a été absolument incroyable, et c’est ce qui m’a le plus motivé à poursuivre ce combat. J’ai reçu des messages de musiciens non seulement de toute l’Amérique du Nord, mais aussi du monde entier qui avaient eux aussi été frustrés par leurs expériences — et dans presque tous les cas, leur situation était pire que celle des musiciens américains et canadiens, notamment en matière de rémunération.
À travers tout cela, j’ai appris que les musiciens aux États-Unis et au Canada étaient les seuls au monde à percevoir une rémunération pour les répétitions. À ma connaissance, les musiciens en Europe, en Amérique du Sud, en Asie et en Australie n’ont jamais reçu de rémunération pour les répétitions et ont toujours été payés à un tarif forfaitaire inférieur à ce que nous gagnons ici. J’espère que le fait de révéler ces informations donnera également aux musiciens d’autres pays le courage de se mobiliser et d’exiger un traitement plus équitable.
Ce qui a été le plus encourageant, c’est que Fever communique avec moi et avec les musiciens en général de façon semi-régulière — pour la première fois, vraiment. Ils ne veulent clairement pas de publicité négative autour d’un programme aussi réussi, et ils sont très rapidement revenus à notre ancien taux de rémunération et à notre ancienne structure salariale. Nous espérons qu’à l’avenir, nous pourrons obtenir une augmentation salariale qui tienne compte du coût de la vie pour les musiciens partout dans le monde. Mais pour l’instant, le simple fait d’avoir poussé une entreprise valant 2 milliards de dollars à reculer sur sa proposition constitue déjà une grande victoire.
Ils prennent également des mesures pour répondre à certaines préoccupations autres que la rémunération, bien que ce soit un processus plus long. Je pense que Candlelight a connu un tel succès si rapidement que Fever n’a jamais vraiment pris le temps de s’arrêter pour réfléchir à la manière de le rendre encore meilleur et plus durable. Le mouvement d’organisation des musiciens a finalement imposé ce moment de réflexion, et je suis optimiste quant à la direction que cela prendra.
Quelles sont les priorités des musiciens de Candlelight pour l’avenir?
Je pense que les réactions que nous avons reçues le montrent clairement : les musiciens de Candlelight souhaitent sincèrement que ce projet soit couronné de succès à long terme. Non seulement il a constitué une source de travail régulier pour les musiciens du monde entier, mais il a également offert une occasion unique de faire découvrir la musique de chambre à un public plus large grâce à des genres non classiques comme la pop, le rock et le hip-hop (ainsi qu’à des programmes classiques). Et grâce à la nature intime et unique de la musique de chambre, le public peut également créer un lien avec nous en tant qu’individus. Nous avons le sentiment de faire véritablement partie de quelque chose de spécial en tissant des liens avec des publics et des segments de population que les musiciens classiques ont toujours eu du mal à atteindre depuis, enfin, toujours.
Nous voulons donc nous assurer que notre passion pour ce projet soit récompensée, et non exploitée. Nous espérons pouvoir améliorer suffisamment les conditions de travail pour en faire un véritable parcours professionnel viable à long terme pour les musiciens qui rendent tout cela possible.
Merci pour tout votre travail ! Y a-t-il autre chose que vous aimeriez dire à un groupe de musiciens d’orchestre canadiens qui sont curieux et peut-être un peu jaloux du « buzz » que Candlelight a créé?
C’est compréhensible d’être sceptique — ou peut-être même un peu jaloux — face à l’engouement suscité par Candlelight. Et nous pouvons tous reconnaître que Fever a commis des erreurs dans la mise en œuvre de certaines de ses stratégies, notamment en ce qui concerne la prise en charge de ses musiciens et de son personnel. Mais je crois aussi qu’ils ont mis le doigt sur quelque chose de spécial auquel nous devrions tous prêter attention. C’est tout à fait remarquable ce qu’ils ont réussi à accomplir avec une publicité assez simple et, honnêtement, un concept assez simple. Ils ont compris qu’en créant une esthétique unique avec des tonnes de bougies sur scène et en adaptant le concept aux réseaux sociaux, ils pouvaient remplir régulièrement les salles de concert.
Mon opinion, c’est que même si nous devons toujours respecter l’histoire et les traditions de notre art, nous devons aussi chercher constamment des moyens de rendre l’expérience du concert pertinente pour le présent et pour l’avenir. J’espère que les ensembles et les organisations classiques pourront s’inspirer de ce que Fever a bien fait, et l’adapter de manière authentique à leurs propres musiciens et à leur identité institutionnelle, tout en créant quelque chose qui reflète véritablement ce que les gens recherchent dans une expérience de concert au XXIᵉ siècle.
Toucher de nouveaux publics a été une de mes passions tout au long de ma carrière, et cela m’inquiète lorsque des musiciens ou des organisations campent sur leurs positions et s’obstinent à faire les choses comme elles ont toujours été faites, malgré les changements sociaux et technologiques évidents dans le monde. Je pense également que c’est souvent dans les périodes d’incertitude et de bouleversements que naissent les meilleures formes d’art et de créativité. L’histoire nous montre que, chaque fois que les artistes sont confrontés à un défi, nous évoluons. Je soupçonne que l’ère numérique ne fera pas exception.